山海训练营
MaP Training Camp
「山海训练营」是羊城晚报“向山海走去”青年导演创作扶持计划中，聚焦创作实践与项目落地的核心单元。作为“山海计划”体系的重要组成部分，训练营着眼于电影项目在真实条件中的生成过程，从创作判断的建立到制作路径的明确，为青年导演提供一段高密度、可检验的实践阶段。
自2024年起，山海训练营每届选址粤港澳大湾区的一处特定地点举办，为期7天。训练营围绕电影公开课、一对一工作坊、影人论坛、驻地创作与影片放映等内容展开，并设置公开提案大会，经评审与讨论，最终决选出“山海计划年度10强青年导演”并进行表彰。
入选的青年导演在这一周的密集交流与学习中持续打磨项目，也在与导师及同伴的讨论中建立起更广泛的专业链接。围绕山海训练营的不同侧面，我们也将陆续整理并呈现更多回顾内容。
2025山海训练营
陈仕忠·导演公开课
由青年导演陈仕忠编剧并执导，舒淇、白客领衔主演的电影《寻她》，已于今日正式登陆港澳院线，并将于12月19日在全台上映。影片以一场失女变故为起点，展开了一段关于女性觉醒与自我寻找的漫长旅程，通过南方蔗村妇女陈凤娣的“寻女之路”，折射出传统观念与现实处境的冲突，也呈现出当代中国社会中女性经验的复杂层次。
作为导演陈仕忠的长片首作，《寻她》以成熟稳健的叙事结构与克制细腻的影像风格展现出不俗完成度。影片以岭南地域风情为背景，通过精致而富有层次的光影运用，营造出独特的东方美学气质，并凭借出色的艺术表达入围第25届上海国际电影节主竞赛单元，荣获金爵奖最佳艺术贡献奖。此后，影片相继入选慕尼黑华语电影节、新加坡华语电影节等多个国际电影节，收获广泛关注与好评。
对一位青年导演而言，《寻她》从最初的创作动机，到反复打磨的剧本阶段，再到拍摄、后期与漫长的等待上映过程，经历了数年的时间。这条并不顺畅、却真实而完整的创作路径，也构成了陈仕忠个人导演经验的重要组成部分。正是在这样的创作背景下，7月12日下午，青年导演陈仕忠走进山海训练营，带来公开课《新人导演避坑指南》，围绕电影制作的前期创作、项目判断、团队协作与职业心态等多个层面，结合自身实践中不断“踩坑”、复盘与修正的经历，系统梳理新人导演在现实创作中最容易遇到的问题，并给出具体而坦率的回应。
01
做自己之前，先找到自己的使用说明书
在分享一开场，陈仕忠提起自己前几个月在北京参加一个关于“中国电影如何出海”的活动。讨论中，“做自己”被频繁提及，仿佛是一条放之四海而皆准的创作准则。但在他看来，这三个字并没有想象中那么牢靠。
“做自己”并不是一个一蹴而就的状态。我们可能只有1%的时间是在做自己，有99%的时间，其实都在寻找自己是谁。这个寻找的过程漫长而反复，必然伴随着大量试错，甚至走弯路。
他将这种状态放回到自身的成长经验中。陈仕忠在高中阶段就开始拍摄一些趣味视频，一边拍，一边看电影、电视剧，琢磨“他们是怎么拍的”。后来进入上海温哥华电影学院学习，他明显感受到学校实践课程的强度——对他而言，成长路径并不是“先理论、后实践”，而是恰恰相反：先不断实践，再回头理解理论。
也正因此，他认为新人导演的起步阶段，几乎不可避免地要从模仿开始。通过模仿不同的类型、不同的创作路径，慢慢去确认：哪一种类型、哪一条赛道、哪一种风格，是自己真正喜欢、也真正擅长的。
“通过试错，你才能知道自己的使用说明书在哪里。”
但与此同时，他也反复提醒，创作必须建立在“相信”之上。比如，当男性导演去拍女性议题时，是否真的在价值观层面认同？是否真正理解并承认这是一种现实困境？如果只是因为某种风潮而靠近某个议题，却并不真正相信它，表达最终一定会失去真诚。
他并不鼓励过早给自己贴标签。相反，在他看来，导演真正的“黄金期”往往出现在35岁以后，前期大量的试错与积累是无法跳过的阶段。“不要着急，也不要太早把自己框死，反而会限制成长。”
02
写剧本是一场漫长的拳击赛
“在我看来，拍摄是最快乐的，而前期和后期都有一千座、一万座大山要翻。”
在陈仕忠的经验中，前期剧本创作往往是最孤独、也最折磨人的阶段。这个阶段最大的痛苦，在于缺乏明确的评价标准——创作者永远无法确定，自己写出来的东西是否“对”。
以《寻她》为例，这个剧本前后共写了11稿。从最初那个被瞬间击中的画面——“一个女性在甘蔗林里穿梭”，到陈凤娣这个人物真正出现，让画面与故事发生连接，再到逐步形成完整叙事，这个过程并非灵光乍现，而是反复推翻、修正、再出发。
也正因此，他始终反对剧本创作“闭门造车”。与马拉松不同，写剧本更像一场拳击赛，需要不断寻找“对手”——来自不同观影背景、不同审美经验的读者。创作者很容易陷入认知偏差，自以为表达清晰的内容，在别人那里却完全无法理解。
这种被打得“鼻青脸肿”的反馈过程固然痛苦，但正是问题暴露得最清晰的时刻。
他还特别强调，剧本本质上是一张施工蓝图，其行文风格必须与影片气质匹配。他曾开发过一个喜剧动作片剧本，最初反馈普遍认为商业感不足，后来并没有修改情节结构，而只是调整了剧本行文方式——采用更夸张、漫画感更强的表达，就成功让读者理解了影片的类型与气质。
“在这场漫长的拳击里，当意见像暴风骤雨一样扑面而来，你就会慢慢知道，真正的问题在哪里，项目的预期又在哪里。”
03
成为一个职业导演 / 编剧
陈仕忠反复强调，电影从来不是单一才能的比拼。即便有人在文字或画面上具备天赋，但电影始终是一门高度综合的艺术——它涉及剧本、结构、人物、摄影、美术、声音、音乐，以及每一个岗位之间的协作。
在他看来，几乎所有被我们熟知的大导演，都经历过漫长而具体的训练期和成长期。无论是侯孝贤早年长期担任场记、副导演与编剧，还是王家卫从类型片编剧一路走来，最终成为导演，都是通过大量实践，逐步弥合“想象”和“执行”之间的差距。
因此，他给新人导演的建议非常直接：一定要多拍。作为职业创作者，要具备随时输出的能力，并在反复修改中推进创作。“不要犹豫，先动笔。”如果你心里有一个想法，就先把它写下来，在写作过程中，节奏会慢慢浮现。
同样重要的，是在拍摄中尽可能理解每一个岗位，了解每个人的能力边界、工作的原理，才能真正把钱花明白，也才能在一次次实践中积累可复制的经验。
04
加长长板，同时避免短板漏水
在谈到项目判断时，陈仕忠将“做不做这个项目”视为第一步。有些项目如果在源头就缺乏创新点或艺术突破，果断放弃反而是更理性的选择。
而一旦决定推进，评估重点就不该放在“哪里不够好”，而是明确并不断强化项目的核心优势。喜剧片是否真的足够好笑？动作片的画面是否足够新鲜？艺术片有没有真正的突破？在他看来，项目评估的首要任务，是识别并放大长板，而不是平均用力。
但与此同时，也必须警惕“漏水”的风险。真正危险的，往往不是短板本身，而是那些可能毁掉整个项目的致命缺陷——尤其是可能引发舆情风险的敏感点。某些明显冒犯、却对影片表达并非不可或缺的内容，完全没必要为了对抗而保留。
“修补要在不伤害长板的前提下进行。”他提醒，很多项目在漫长修改中，恰恰把原本最亮的部分磨没了，最终变得平庸而乏味。
05
拍电影就像开餐馆
在陈仕忠看来，拍电影与开餐馆的逻辑非常相似。观众在走进影院之前，早已通过海报、简介建立起观影预期，所以影片至少要与这种预期相符。
如果观众带着错误的期待进场，讨论的就不再是“这道菜好不好吃”，而是“我根本没打算吃这个”。因此，无论商业片还是艺术片，都必须清楚自己的类型定位。
即便是艺术片，也存在明确的观影预期：视听是否足够有力量？审美是否足够独特？如果观众看到的只是“批量生产”的影像，失望几乎是必然的。
06
商业与文艺的抉择
结合自身作为编剧与导演的经验，陈仕忠建议，项目在前期必须明确是商业片还是文艺片。两者的创作逻辑、目标平台和评估体系完全不同。
如果强行兼顾，极容易陷入“电影节嫌太商业，市场嫌太文艺”的尴尬处境。当然，像奉俊昊导演的《寄生虫》这样的特别案例确实存在，但成功概率极低，不能作为普遍参照。
真正的难点，在于团队认知是否对齐。如果导演以文艺片的方式拍摄一个被定义为商业片的项目，创作矛盾几乎不可避免。因此，前期坦诚沟通项目定位、目标观众和合作预期尤为重要，理念不合，不必勉强。
07
最重要的永远是人
在陈仕忠看来，影视行业最珍贵的资产，从来不是项目本身，而是人。
他反复提醒，不要为了短期利益损害长期合作关系。失去一个优秀的合作者，代价远高于单个项目的得失。职业生涯中，志同道合的伙伴，才是真正可持续的资源。
因此，在短片或低成本项目中，他反而建议精简团队规模、谨慎选择成员，并尽可能拉长拍摄时间。有些视听效果、表演层次，需要时间去磨，而不是靠人多堆出来。
他在现场分享了自己早年拍摄的概念短片《荒野演义》。
陈仕忠表示,这支短片的总成本只有4万元，包括团队从上海到广东的机票，甚至最后还有结余。最贵的支出，是演员的头饰。服装是借的，摄影机是“蹭”的，结果测试时当场卡死，备用机刚到机场就坏了。
整个团队只有十个人，拍了十天。提前一个月勘景，几乎人人身兼数职：副导演要演戏，他自己既是导演，还要帮忙打光。人少反而灵活，台风来了就等雨拍，没有灯就用自然光或烛光。
“电影不是造火箭。”在他看来，技术并没有那么复杂，手机也能拍出好影像，真正重要的是人与创作的冲动。
08
关于资方的选择
谈及资方，陈仕忠指出，资方选择项目，本质上是在选择导演这个“人”。市场公式随时失效，资方真正看重的，并非项目是否完美，而是导演的核心能力——对市场的理解、不可替代的审美，以及应对变化的能力。
对于商业片导演而言，必须不断自问：你是否真正理解观众？如何面对短剧、AI等新趋势？你的作品性格在哪里？审美是否足够鲜明？
同时，也要学会甄别各方意见，不盲目妥协，用专业逻辑说服合作方，避免陷入模板化评估。最终，资方投资的，是导演的潜力，而不是某一个固定剧本。
09
避坑的最好方式，就是掉进坑里一次
“注意是一次，一次就够了。”在陈仕忠看来，对于电影创作和制作来说，有些道理是讲不通的，只有真正拍砸一次，才会记一辈子。导演像一个产品经理，必须与不同的人、不同的现实交手，只有交过手，世界才会真正对你“显形”。
他始终认为，每个人都会上两次电影学院：一次是在校园时期，一次是在完整做完一个项目的时候。不要害怕掉坑里，但一定要复盘，要长记性。
10
活下去
在行业环境并不理想的现实下，他毫不避讳地谈到生存问题。“我现在也靠写剧本活命，要光靠做导演，我早饿死了。”短剧正在改变观众的观影习惯。观众花30、50块钱进影院，已经很难再忍受长时间铺垫。前20分钟不上“狠的”，很可能就失去耐心。这不是审美问题，而是观看节奏、观看习惯已经被重塑，很多时候导演不得不考虑和平衡这种变化带来的影响。
与此同时，他也提醒创作者诚实面对表达欲望。如果没有非说不可的话，放过自己，也等于放过观众。
“这行聪明人很多，别天天焦虑。”允许自己“emo”15分钟，然后继续干活。轻装上阵，才能走得更远。
问答环节
Q1
假如一个导演的优点是“冒犯”，但如果因外界批评而调整，可能导致风格消失，怎样去平衡创作个性与市场接受度？
陈仕忠：创作者首先要坚持自己的长板，如果“冒犯”是核心优势，就不必刻意平衡，而应坚持长板。关键在于找到合适的团队和精准定位受众群体，并预判争议与舆论，接受作品可能面临的两极评价。
Q2
国内在讨论电影市场时常将“商业片”和“文艺片”对立化，比如商业片必须上特效，而文艺片必须长镜头，但仍有许多作品证明艺术性和商业性可以融合，你认为是否可能两者兼顾呢？
陈仕忠：两者兼顾是有可能的，但大家要知道观众的口味被短视频进行了驯化，希望大家可以在未来成为那个兼并两者的人。新人导演如果想要走得更长远，可能需要先通过商业项目证明自己的市场价值，再争取更大的创作自由。
